"Chroma (« couleur » en grec) est le dernier livre de Derek Jarman. « Auto­biographie par la couleur » d’un homme qui perd chaque jour un peu plus la vue, jusqu’à devenir presque aveugle, tandis qu’il en écrit les dernières pages sur son lit d’hôpital londonien, et revient, chapitre après chapitre, sur les couleurs du langage et des livres, les seules auxquelles il a désormais accès. Mais Chroma n’en reste pas moins plein de cet humour si particulier à l’œuvre de Jarman, qui mêle à ses souvenirs d’enfance le long des blanches falaises du Kent ou ceux d’une jeunesse « héroïque » dans les quartiers rouges de Londres, ses lectures érudites (Pline, Aristote, Wittgenstein, Goethe, etc.), des remarques toujours en demi-teinte sur la peinture et une réflexion sur le jeu flamboyant des couleurs de fleurs sur la lande aride de Dungeness, où, à l’ombre d’une centrale nucléaire, pousse son « dernier jardin »."

"Derek Jarman's Blue weaves a sensory tapestry that serves as both a political call to action and a meditation on illness, dying, and love. “For Blue there are no boundaries or solutions.” —Derek Jarman. Originally released as a feature film in 1993, the year before the acclaimed artist and filmmaker Derek Jarman’s death due to an AIDS-related illness, Blue is a daring and powerful work of art. The film and its script, as reproduced in this volume, serve as an impassioned response to the lack of political engagement with the AIDS crisis. Jarman's Blue moves through myriad scenes, some banal, others fantastical. Stories of quotidian life––getting coffee, reading the newspaper, and walking down the sidewalk––escalate to visions of Marco Polo, the Taj Mahal, or blue fighting yellow. Facing death and a cascade of pills, Jarman presents his illness in delirium and metaphors. He contemplates the physicality of emotions in lyrical prose as he grounds this story in the constant return to Blue—a color, a feeling, a funk. Michael Charlesworth's compelling introduction brings Blue into conversation with Jarman’s visual paintings."

"100 Queer Films identifies 100 films that shaped the trajectory of queer cinema, connected with larger movements, and showcased the artistry of queer filmmaking. In addition to those films that already hold significant places in queer film canons, this volume examines often-overlooked titles. By highlighting hidden gems alongside well known classics, this book makes a valuable, accessible contribution to queer film studies. While queer films have existed since the beginning of cinema, this book focuses on films released after the Stonewall uprising in 1969. Stonewall is considered a turning point for queer politics and representation, and the 50 years since that event have generated an explosion of queer creativity. The book describes significant formal elements of each film and connects them to their interrelated contexts. By moving in chronological order, it introduces a contemporary history of queer film and provides an overview of major developments in LGBTQ communities, cultures, and politics. This volume presents a framework for understanding the value of queer film."

"Si Pasolini aimait se définir comme écrivain, c’est en tant que cinéaste qu’il a acquis une célébrité mondiale. C’est à cet aspect de son œuvre que s’intéresse l’exposition « Pasolini en clair-obscur » présentée au Nouveau Musée National de Monaco du 29 mars au 29 septembre 2024. Ce livre est consacré à la double question de l’influence de l’art classique et contemporain sur l’esthétique pasolinienne et de la manière dont, en retour, celle-ci inspire les artistes d’aujourd’hui."

"Through intimate encounters with the life and work of five contemporary gay male directors, this book develops a framework for interpreting what it means to make a gay film or adopt a gay point of view. For most of the twentieth century, gay characters and gay themes were both underrepresented and misrepresented in mainstream cinema. Since the 1970s, however, a new generation of openly gay directors has turned the closet inside out, bringing a poignant immediacy to modern cinema and popular culture. Combining his experienced critique with in-depth interviews, Emanuel Levy draws a clear timeline of gay filmmaking over the past four decades and its particular influences and innovations. While recognizing the "queering" of American culture that resulted from these films, Levy also takes stock of the ensuing conservative backlash and its impact on cinematic art, a trend that continues alongside a growing acceptance of homosexuality. He compares the similarities and differences between the "North American" attitudes of Todd Haynes, Gus Van Sant, and John Waters and the "European" perspectives of Pedro Almodóvar and Terence Davies, developing a truly expansive approach to gay filmmaking and auteur cinema."

Nouvelle édition augmentée: "Chez Ghibli, lieu de rassemblement de talents étonnants, à commencer par les réalisateurs Isao Takahata et Hayao Miyazaki, chaque jour apporte son lot d'événements inattendus. C'est justement dans ce quotidien que se niche le temps présent, le poind de départ des oeuvres. Le producteur de Ghibli, studio mondialement connu, lève le voile sur le berceau de la création, où il a toujours fait "ce qu'il aimait comme il l'aimait"

"L’essai : la notion semble aussi datée que les « temps modernes », son heure de gloire littéraire paraît lointaine. Elle trouve pourtant aujourd’hui une nouvelle pertinence dans le domaine de l’image en mouvement. Cinéma et art contemporains sont engagés depuis une vingtaine d’années dans des rapports d’influence et de friction qui ont fait émerger un territoire commun à l’identité floue et, sans doute pour cela même, d’une indéniable fécondité quant aux formes et procédés qui s’y expérimentent. L’énergie transgressive qui anime ce territoire n’est autre que celle de l’essai — qui malmène les hiérarchies et traverse les frontières. Une énergie critique pour temps de crise, qui croit à la vie des formes et brave les oppositions entre théorie et pratique, fiction et documentaire. Des origines littéraires (Montaigne, Diderot, Musil...) aux œuvres les plus contemporaines (Teguia, Steyerl, Des Pallières...) en passant par les maîtres essayistes modernes (Godard, Smithson, Farocki...), cet ouvrage s’est voulu fidèle à l’énergie centrifuge de l’essai : associant critiques et cinéastes, chercheurs et artistes, accueillant les écritures les plus diverses (essais théoriques, visites d’ateliers, entretiens, traductions inédites), il propose une série d'hypothèses critiques lancées comme des fusées — réjouissantes et déterminées."

"Pendant des décennies, les sociétés de production étrangères ont tourné des films en Suisse pour profiter de son paysage unique : le Backdrop – " toile de fond " ou décor en jargon cinématographique.Ce livre propose une liste complète de ces films avec 350 photographies emblématiques de 1900 à nos jours, en impression 4 couleurs, édition quadrilingue ( française, allemande, italienne, et anglaise ), et constituera un magnifique cadeau pour les fêtes. Tout autour du globe, dans des salles obscures, des spectateurs ont été fascinés par les images de ce héros se balançant d'un pic rocheux alpin, de ces braquages astucieux et improbables se déroulant dans les coffres d'une banque suisse, de ces courses-poursuites à ski dans une station jet-set, ou encore de couples d'amoureux s'embrassants devant un château sur les rives d'un lac. Étonnamment, personne n'a jamais fait de recherches concernant ces nombreux films réalisés en Suisse. Le livre Backdrop Switzerland vise à combler ce vide en élaborant une liste complète de ces films, accompagné d'une sélection de visuels iconographiques."

"Après un article ironique sur la question, l’auteur Rob Grams a vu son concept de «bourgeois gaze» abondamment repris, venant remplir le vide d’un impensé du cinéma français?: qui sont ceux qui font les films et comment leur position sociale nourrit-elle leur vision? Entre les histoires misérabilistes sur la campagne et l’omniprésence de Paris, ce livre offre un éclairage bienvenu sur une certaine culture cinématographique."

"Filmmaking, we are told in the introduction, is the "reverse engineering of dreams... a spell that brings dreams and visions to life." This book is a comprehensive primer on the craft of filmmaking, and is ideal for amateur filmmakers, film students, film lovers, hobbyists, and anyone else interested in making movies and bringing their cinematic dreams and visions to life. In this ultimate guide to introductory filmmaking, the author, an Emmy Award-winning filmmaker based in NYC who teaches acting, directing, writing, and editing at the New York Film Academy, provides readers with the bare bones information they need to help them get started in making movies with whatever equipment they already have at hand. Essentially a book about craft, in straightforward layman's terms, the author explains the different stages in the filmmaking process, shedding light on storytelling methods for a visual medium. Readers learn what makes a good story and, through detailed examples and useful diagrams, how to construct a narrative in a compelling way, in addition to being introduced to such aspects of filmmaking as types of shots, directing actors on a set, choosing locations, lighting, linear and non-linear editing, and sound effects."