Que se passe-t-il pendant qu’on lit ? Gerard Unger étudie dans cet ouvrage ce qui se produit pendant la lecture – devant nos yeux et à l’intérieur de nous. Selon lui, les concepteurs devraient en toutes circonstances considérer deux questions essentielles : dans quelle mesure les lecteurs possèdent-ils une connaissance enfouie de la typographie ? Comment est-il possible de lire sans voir la lettre ? À partir de ces deux questions de fond, Gerard Unger explore des sujets comme la lisibilité, le processus de lecture, la typographie « invisible », la reconnaissance du motif, l’ergonomie du dessin de la lettre, l’univers des signes, les contreformes et les illusions typographiques.
Il distille tout au long de l’ouvrage plusieurs années d’expérience dans un texte ouvert, ne s’adressant pas aux seuls spécialistes et reflétant la diversité de ses propres projets – du dessin de caractères typographiques (pour le quotidien USA Today notamment) à la conception de la signalétique pour les autoroutes des Pays-Bas.
Les typographes et designers les plus expérimentés retireront bonheur et avantage de cette lecture, tout autant que les débutants et curieux qui s’interrogent sur le processus même de l’acte de lire

Une mise en page adaptée au texte, bien pensée et séduisante retient l’attention du lecteur et suscite chez lui l’envie de lire. En revanche, lorsque aucun soin n’est apporté aux détails de la composition, le plaisir ressenti dans un premier temps par le lecteur peut disparaître en raison des efforts exigés par une lecture fastidieuse.

Le détail en typographie s’attache à répondre aux questions essentielles concernant la lettre, le mot, la ligne, le paragraphe et l’espacement. Il considère ces différents éléments visuels qui permettent la lisibilité optimale d’un texte. Véritable outil pour les étudiants en typographie, il se révèle le guide essentiel pour les graphistes et typographes désireux de questionner et perfectionner en permanence leur travail. Il s’adresse aussi aux concepteurs et aux éditeurs qui souhaitent que leurs publications ne soient pas seulement feuilletées mais lues en profondeur.

Nous entrons dans « l’ère post-numérique », les technologies du numérique ne sont plus perçues comme un phénomène révolutionnaire, mais plutôt comme appartenant pleinement à notre quotidien. La mutation des industries de la musique et du cinéma, où les fichiers circulent en « bits et octets » via les téléchargements et le streaming, est désormais tenue pour acquise. Dans le monde de l’édition de presse, de livres et de revues, cette transformation ne fait que commencer.
Pourtant, les prémices de cette mutation ne datent pas d’hier. Depuis plus d’un siècle, des ingénieurs, des activistes et des artistes d’avant-garde ont anticipé le développement des réseaux et de l’édition numérique. Si la mort du papier, surabondamment annoncée, n’est pas encore advenue, l’édition numérique est désormais devenue une réalité. Comment l’analogique et le numérique vont-ils coexister dans l’ère post-numérique ? Comment vont-ils s’interpénétrer et se dépasser ? Quelles formes et quels comportements nouveaux vont découler de cette mutation ?

Jost Hochuli, typographe, graphiste suisse, livre ici 26 réflexions – une pour chaque lettre de l’alphabet – sur les questions et les personnalités qui ont marqué sa pratique de la typographie. Tour à tour lumineux, déroutant, drôle, tragique, acerbe, critique, érudit… Jost Hochuli profite de la brièveté de la forme de l’abécédaire – jamais plus de deux pages par lettre – et du choix arbitraire des sujets pour raconter une anecdote, faire passer une idée qui lui tient à cœur, lutter aussi bien contre la calligraphie esthétisante que contre le modernisme à tout cran, faire des révélations sur Jan Tschichold et les monstres de l’histoire de la typographie suisse qu’il a côtoyés alors qu’il débutait sa carrière.
À plus de 80 ans, il offre ici aux designers graphiques et typographes, jeunes et moins jeunes, un concentré de sagesse et de coups de gueules, appelant son lecteur à faire confiance à l’expérience de leur œil plutôt qu’aux injonctions dogmatiques des écoles. Paradoxalement aussi traditionnaliste qu’anticonformiste, ne s’écartant des sentiers battus que pour mieux revenir aux fondamentaux intemporels de la typographie – la lisibilité avant tout ! –, Jost Hochuli offre une voix puissante à un classicisme moderne stoïque issu de la typographie du livre.

Comment le logo du Centre Pompidou a-t-il été créé ? Une théorie urbaine peut-elle s’exprimer dans la conception matérielle d’un livre ? Le design graphique a-t-il servi la cause des femmes ? Les textes réunis ici racontent des histoires de signes et d’objets : identités visuelles, affiches et imprimés divers, livres, pochettes de disques ou caractères typographiques. La production de nombreux graphistes est examinée à travers des champs variés, de l’architecture au jazz, de l’art contemporain à la littérature en passant par l’édition pour la jeunesse. Composant majeur de la culture visuelle contemporaine, le design graphique façonne notre environnement : il requiert donc la plus grande attention.

"Pour une critique du design graphique" rassemble dix-huit essais écrits par l’historienne du design Catherine de Smet depuis le début des années 2000. Publié pour la première fois en 2012, cette édition revue et augmentée inclut trois nouveaux textes, jusqu’à présent inédits ou épuisés.

Otto Neurath (1882-1945), philosophe, sociologue et économiste autrichien, est l’un des créateurs de l’Isotype, un langage universel et non verbal qui vise à transformer une information en formes visuelles, pionnier dans la théorisation de l’éducation par l’image. Dans "Des hiéroglyphiques à l’Isotype", qu’il qualifie d’autobiographie visuelle, Otto Neurath met en lumière l’importance des différents stimuli perçus dans l’enfance – provenant des livres illustrés, des jouets et des musées – sur les travaux dans le domaine de l’éducation visuelle auxquels il consacra les vingt dernières années de sa vie. Il en résulte un récit informel et captivant, qui dresse un tableau précis de la culture européenne au tournant du XXe siècle.
Cette édition, publiée en anglais en 2010 chez Hyphen Press, est la première publication d’un texte, jusqu’alors inédit, écrit entre 1943 et 1945. C’est à partir de dix-sept dossiers d’ébauches manuscrites et dactylographiées laissés par l’auteur que le texte original a été soigneusement édité par deux chercheurs de l’université de Reading, Matthew Eve et Christopher Burke. Cette édition inclut les nombreuses illustrations qu’Otto Neurath souhaitait ajouter à son texte, ainsi qu’une annexe présentant un large ensemble de documents graphiques issus de sa collection.

En 1900, lors de l’Exposition universelle de Paris, le célèbre sociologue et militant W. E. B. Du Bois présenta une série de données statistiques dans le but de promouvoir les progrès socio-économiques des Africains-Américains depuis l’abolition de l’esclavage. Les graphiques, diagrammes et cartes exposés rendent compte de leurs conditions de vie et illustrent, littéralement et symboliquement, ce que Du Bois appelait « la ligne de partage des couleurs ». De l’accès à l’éducation aux traces laissées par l’esclavage, ces représentations graphiques – dont le design est aussi remarquable que le contenu saisissant – restituent de nombreux aspects du quotidien des Africains-Américains au tournant du XXe siècle.

"La Ligne de couleur de W. E. B. Du Bois" reproduit pour la première fois l’intégralité de ces représentations en couleurs, les replace dans leur contexte social et met en avant l’avant-gardisme de ces visuels au regard de l’histoire du design graphique. Alors que le travail de Du Bois, annonciateur des luttes à venir, continue à gagner en force et en pertinence, cet ouvrage offre une seconde vie à ces images et montre que les représentations de données statistiques peuvent générer, par l’acte même de faire voir, de nouvelles connaissances.

William Edward Burghardt Du Bois, dit W. E. B. Du Bois, est né en 1863 dans le Massachusetts, aux États-Unis. Sociologue et militant africain-américain, il est aujourd’hui considéré comme l’un des pères oubliés de la sociologie moderne.

Pierre Faucheux (1924-1999) a été l’une des figures majeures de l’édition française au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Renouvelant largement ce champ du design graphique, il traversa la seconde moitié du XX^e siècle en y laissant des empreintes multiples qui sont autant d’expérimentations revisitant les avant-gardes ou s’inscrivant dans les courants artistiques de son époque. En marge de son atelier, il développa un travail visuel constitué de collages et d’« écartelages » photographiques. Enfin, il consacra également sa carrière à l’architecture, en s’associant aux projets de divers architectes ou en élaborant des aménagements muséaux et des scénographies d’expositions.
Faucheux concevait l’architecture comme une écriture et la mise en livre comme un travail architectural : écrire l’espace et être un architecte du livre, tel fut le grand écart qu’il se proposa de tenir tout au long de sa carrière. À partir de cette notion d’écart, qu’il fit sienne à la suite de Charles Fourier puis des surréalistes, cette publication, qui fait suite à une recherche menée au sein de l’institut supérieur des arts de Toulouse, propose d’approfondir la connaissance critique du travail de Pierre Faucheux.

"Back Office" est une revue annuelle entre design graphique et pratiques numériques. Elle explore les processus de création en jeu dans la diversité des médias et des pratiques numériques contemporaines. En traitant de thématiques telles que le rapport entre code et forme, les enjeux des outils de création ou la perméabilité des médias, elle constitue un espace de réflexion unique et un vecteur de visibilité à l’international pour la communauté francophone.

Ce quatrième numéro revient sur le concept de mouvement appliqué au domaine du numérique. Depuis l’apparition du GIF animé, en passant par l’évolution des génériques de télévision et les mutations des logiciels d’animation, ce numéro propose une analyse du processus de constitution de l’image animée et interroge sa place dans le monde numérique. En quoi le mouvement constitue-t-il désormais un nouveau langage ? Comment les typographes tentent-ils de s’adapter à ce nouveau paradigme ? Et comment comprendre ce nouvel équilibre entre image fixe et image animée ? À travers sept articles et entretiens, ce numéro tente d’apporter des réponses à ces questions et continue son exploration des liens entre pratiques numériques et design graphique.

Cet ouvrage rassemble une série de contributions qui posent la question de la relation qu’entretient le design graphique – en tant que pratique contemporaine – avec son histoire.

Au fil des pages apparaît un panorama varié, où des créateurs de caractères de la Renaissance rencontrent des avant-gardes du XX^e siècle, Jan Tschichold, Marie Neurath, Edward Steichen et Richard Hamilton, où des incunables côtoient des revues de design, des archives d’école et des expositions de musée. Histoire matérielle et histoire sociale se croisent, analyse typographique et études visuelles se complètent.

Issus d’horizons divers, les auteurs des textes qui composent cet ouvrage ont tous déjà contribué à explorer ce champ de connaissances et de réflexion et apportent ici un éclairage particulier sur la fabrique de cette histoire et de ses multiples formes – écrites, parlées, dessinées, exposées ou éditées. Chacun exerce son activité dans des contextes et selon des modalités très diverses : certains sont graphistes ou typographes et l’investigation historique est intégrée à la dynamique de leur production, d’autres envisagent le design graphique à partir d’un champ différent ou explicitent ses liens avec des domaines de recherche et de création connexes – photographie, design industriel, art, paléographie, philosophie, sociologie.

Cet ensemble de textes enrichit nos savoirs, propose des outils de recherche et invite à mesurer l’importance du passé pour la création d’aujourd’hui – une clé pour comprendre le rôle majeur du design graphique dans la société.