"Die Agentur OSTKREUZ gründete sich inmitten der Umbruchszeit 1990 im Berliner Osten. Für Träum Weiter — Berlin, die 90er haben neun OSTKREUZ-Fotograf·innen in Zusammenarbeit mit den Kurator·innen Annette Hauschild (OSTKREUZ) und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) einen heutigen Blick in ihre umfangreichen Archive geworfen. Als Dokumentarist·innen verfolgten sie zur Hochphase des Bildjournalismus genau, wo sich die Veränderungen in der Stadt vollzogen. Sie beobachteten den gesellschaftlichen Wandel und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt. Die Essays spiegeln das auf verschiedenen Ebenen wider: Zum einen wird die Veränderung des Stadtraums (Janos Frecot) beleuchtet, zum anderen werden die kreativen und kulturellen Potenziale Berlins beschrieben (Jens Balzer), während Anne Rabe als junge ostdeutsche Stimme in einem sehr persönlichen Essay ihren Blick auf das heutige Berlin wiedergibt."

"Wie werden sich verändernde gesellschaftliche Verhältnisse auf die gebaute Umwelt in Deutschland auswirken? Unter welchen Voraussetzungen wandeln sich die Städte und Regionen? Spekulationen Transformationen widmet sich den gesellschaftlichen und räumlichen Prozessen, die Deutschland bevorstehen, und spekuliert über ihre Konsequenzen für die Baukultur: Wie lebt es sich in einer Stadt, in der mit Energie und nicht mehr mit Euro bezahlt wird? Was passiert, wenn Hamburgs Hafen seine Funktion verliert? Was wären räumliche Konsequenzen, wenn Deutschland seine Wirtschaftskraft am Wohlbefinden seiner Bürger misst? Die Publikation bündelt unterschiedliche Zugänge zu einer zukunftsgerichteten, interdisziplinären Interpretation der gelebten Umwelt in Deutschland und trägt dazu bei, neue Wege in der Gestaltung von Stadt und Raum aufzuzeigen."

"In the history of graphic design, the film poster has repeatedly exemplified graphic innovation. The first constructivist posters by the Stenberg brothers challenged viewing habits in the late 1920s, as did the radical, succinct film advertisements by Jan Tschichold. The Polish school of poster art, with exponents such as Henryk Tomaszewski and Roman Cieślewicz, produced iconic film posters in the postwar era, and Cuban designers, including Antonio Reboiro and Ñiko, followed suit after 1959. Simultaneously, in the former Czechoslovakia, the likes of Milan Grygar, Karel Vaca and Josef Vylet’al helped the film poster gain international recognition. In all three countries, the lack of economic pressure allowed such creative power to flourish. In Germany, film distributors such as Neue Filmkunst Walter Kirchner or Atlas-Film prompted a new aesthetic by commissioning Hans Hillmann or Dorothea Fischer-Nosbisch. The works presented in this publication illustrate an alternative to the Hollywood film poster with its canonical motifs and pompous spectacle. The unorthodox visual language of these “other” film posters largely dispenses with star portraits and film stills. Subtly poetic, and often ambiguous, films are interpreted individually, the visual material is creatively defamiliarized and the content consolidated into symbols. Up to this day, individual designers continue to celebrate the film poster as an autonomous artistic medium."

"Anonymous snapshots are the ideal projection screen: they inspire the imagination to invent stories. The photographer and artist Luciano Rigolini demonstrates, however, that these images, freed from their context, can also convey a visual experience. Rigolini pieces together his findings from flea markets, archives, or the Internet to create a new, independent work - a grammar of seeing and perception. Consciously or unconsciously, we become primarily aware of form and structure in the compiled snapshots, and the specific content of the images becomes inessential. This results in a fascinating aesthetic play that radically questions our habits of seeing. In this cleverly arranged sequence the photographs can no longer be read as simply likenesses of reality. They turn out to be artifacts that construct reality. What You See presents a multiplicity of surprising, confusing, and surreal photographs from a rich fund of anonymous photography."

"This bilingual publication brings together seven lectures given during the programme of events that accompanied the exhibition “Steve McQueen. Works” at Schaulager Basel in 2013. The lectures delve deeper into the work of the British video installation and film artist, and illuminate the interaction between art and cinema in Steve McQueen’s work. It is interspersed with high-quality photographs presenting a - previously unpublished - visual review of the spectacular architecture designed specifically to present Steve McQueen’s work at Schaulager."

Müller-Brockmann’s book aimed to solve the graphic designer’s problem of finding the appropriate contemporary form. It became a standard work that still serves as a historic practical guide well beyond the boundaries of Switzerland. This edition is an unabbreviated reconstruction of the original edition of 1961, as a hardcover with jacket. It includes the additions made by Josef Müller-Brockmann himself for the paperback edition of 1983.
In the first part, the path from illustrative to functional graphic design is traced, as well as the meaning of design elements, their use and effect in every area of advertising: business printed matter, advertisements, brochures, books, posters, and exhibitions. The middle section of the book contains fundamental thoughts concerning the work of the graphic designer. The chapter “Science and Visual Communication” covers the area of semiotics and communications research. In the last part, the systematic education of the graphic designer is presented by means of a comprehensive documentation. Thus, the book offers graphic designers a valuable survey of the fundamental tasks of design.

100 aplats de couleurs et 100 photographies de façades – toutes prises en Suisse – photos suffisamment rapprochées pour qu’on ne parvienne pas à identifier le bâtiment, mais pour qu’on en voie la couleur. Sur la page de gauche se trouve la photo, sur la page de droite (en pleine page) un aplat de couleur – exactement la même couleur que celle de la façade en regard. Ouvrage de photographie, d’art contemporain et de technique d’impression, Face à des couleurs nous invite à observer, à regarder les couleurs des villes. Faire voir la couleur avant de faire voir l’architecture. La ville, grise de prime abord, révèle lorsqu’on s’y attarde une palette d’une richesse insoupçonnée. Elle devient pour qui prend le temps de regarder un nuancier très subtil. C’est d’ailleurs dans sa nature : la couleur est aussi immatérielle, aussi insaisissable qu’une pensée. « Donne-moi une couleur ! » Du point de vue physique, cela paraît difficile. Il ne s’agit pas d’un objet matériel qu’on pourrait passer de main à main. En revanche, la couleur fait partie de tout objet, artefact, plante, pierre, tout ce qui nous entoure, tout se qui se trouve dans l’univers a une couleur pour peu que la lumière vienne la révéler. La couleur est aux choses ce que le goût est aux aliments. Et la lumière en serait le sel ! Oui, car selon la lumière, la ville change d’humeur, d’atmosphère, de couleur. Une même façade peut se révéler morne ou gaie, triste ou joyeuse... La texture importe également, car c’est en fonction de la surface que la lumière va s’accrocher ou glisser sur une façade. Lumière, texture et, troisième facteur, le cadrage. «It’s all about framing», ce qui importe, c’est le cadrage. En regard, sur les belles pages, les grands aplats rappellent et soulignent la couleur dominante de la façade photographiée. Ces aplats agissent comme un révélateur – joli échange sémantico-pictural, puisqu’il s’agit ici de photographie.

Une invitation à voir la ville – à voir la couleur de la ville.

Tanka L'autobus arrive Un zazou à chapeau monte Un heurt il y a Plus tard devant Saint-Lazare Il est question d'un bouton Cette brève histoire est racontée quatre-vingt-dix-neuf fois, de quatre-vingt-dix-neuf manières différentes. Mise en images, portée sur la scène des cabarets, elle a connu une fortune extraordinaire.